Hace 100 años nacía el ícono del folklore nacional argentino

Héctor Roberto Chavero Aramburo nació en la provincia de Buenos Aires, el 31 de enero de 1908, en el paraje conocido como Campo de la Cruz, y fue registrado en Pergamino, ciudad distante a 30 km de allí, 88 km al norte de Junín y 224 km al noroeste de la ciudad de Buenos Aires. Su padre era originario de la provincia de Santiago del Estero (Loreto), situada unos 800 km al norte, y tenía sangre quechua. Su madre era vasca.

Los primeros años de su infancia los pasó en Roca, pueblo de su provincia natal, donde su padre trabajaba en el ferrocarril.

Allí sus días transcurren entre los asombros y revelaciones que le brinda la vida rural y el maravilloso descubrimiento del mundo de la música, al que se acerca a través del canto de los paisanos y el sonido de sus guitarras: "(...) mientras a lo largo de los campos se extendía la sombra del crepúsculo, las guitarras de la pampa comenzaban su antigua brujería, tejiendo una red de emociones y recuerdos con asuntos inolvidables. Eran estilos de serenos compases, de un claro y nostálgico discurso, en el que cabían todas las palabras que inspirara la llanura infinita, su trebolar, su monte, el solitario ombú, el galope de los potros, las cosas del amor ausente. Eran milongas pausadas, en el tono de do mayor o mi menor, modos utilizados por los paisanos para decir las cosas objetivas, para narrar con tono lírico los sucesos de la pampa. El canto era la única voz en la penumbra (...) Así, en infinitas tardes, fui penetrando en el canto de la llanura, gracias a esos paisanos. Ellos fueron mis maestros. Ellos, y luego multitud de paisanos que la vida me fue arrimando con el tiempo. Cada cual tenía 'su' estilo. Cada cual expresaba, tocando o cantando, los asuntos que la pampa le dictaba" ("El canto del viento", I).

Y la guitarra será un amor constante a lo largo de toda su vida. Luego de un breve y fracasado intento con el violín, comienza a tomar clases de guitarra con el maestro Bautista Almirón, y allí queda marcado a fuego su destino y su vocación. Descubre, además, la existencia de un vasto repertorio que excedía los temas gauchescos.

"Muchas mañanas, la guitarra de Bautista Almirón llenaba la casa y los rosales del patio con los preludios de Fernando Sor, de Costes, con las acuarelas prodigiosas de Albeniz, Granados, con Tárrega, maestro de maestros, con las transcripciones de Pujol, con Schubert, Liszt, Beethoven, Bach, Schumann. Toda la literatura guitarrística pasaba por la oscura guitarra del maestro Almirón, como derramando bendiciones sobre el mundo nuevo de un muchacho del campo, que penetraba en un continente encantado, sintiendo que esa música, en su corazón, se tornaba tan sagrada que igualaba en virtud al cantar solitario de los gauchos" ("El canto del viento", II).

Sus estudios no pudieron ser constantes ni completos, por diversos motivos: falta de dinero, estudios de otra índole, traslados familiares o giras de concierto del maestro Almirón, pero como él mismo señala estaba el signo impreso en su alma, y ya no habría otro mundo que ése: ¡La Guitarra! "La guitarra con toda su luz, con todas las penas y los caminos, y las dudas. ¡La guitarra con su llanto y su aurora, hermana de mi sangre y mi desvelo, para siempre!" ("El canto del viento", II).

Desde que empezó a dar a conocer sus poemas firmaba con el seudónimo de Atahualpa Yupanqui. La etimología de este nombre la dio él mismo: "Viene de lejanas tierras para contar algo" (Ata: viene; Ku: de lejos; Alpa: tierra; Yupanqui: narrarás, haz de contar).

Se cuenta que sus manos fueron gravemente dañadas a culatazos por un grupo militar de extrema derecha. Las Coplas del payador perseguido, serían, al parecer, una respuesta a dicha agresión: "y aunque me quiten la vida/ o engrillen mi libertad/ y aunque chamusquen quizá/ mi guitarra en los fogones/ han de vivir mis canciones en l'alma de los demás". Esta canción estuvo prohibida en algunos países, como, por ejemplo, en la España franquista. Atahualpa Yupanqui estuvo exiliado en París (Francia), ciudad en la que murió.

FUENTE: WIKIPEDIA

Atahualpa Yupanqui (31 January 1908 - 23 May 1992) was an Argentine singer, songwriter, guitarist, and writer. He is considered the most important Argentine folk musician of the 20th century.

Yupanqui was born as Héctor Roberto Chavero Aramburo in Pergamino (Buenos Aires Province), in the Argentine pampas, about 200 kilometers away from Buenos Aires. His family moved to Tucumán when he was ten. In a bow to two legendary Incan kings, he adopted the stage name Atahualpa Yupanqui, which became famous the world over.

In his early years, Yupanqui travelled extensively through the northwest of Argentina and the Altiplano studying the indigenous culture. He also became radicalized and joined the Communist Party of Argentina. In 1931, he took part in the failed uprising of the Kennedy brothers and was forced to seek refuge in Uruguay. He returned to Argentina in 1934.

In 1935, Yupanqui paid his first visit to Buenos Aires; his compositions were growing in popularity, and he was invited to perform on the radio. Shortly thereafter, he made the acquaintance of pianist Antonieta Paula Pepin Fitzpatrick, nicknamed "Nenette", who became his lifelong companion and musical collaborator under the pseudonym "Pablo Del Cerro".

Because of his Communist Party affiliation (which lasted until 1952), his work suffered from censorship during Juan Perón's presidency; he was detained and incarcerated several times. He left for Europe in 1949. Édith Piaf invited him to perform in Paris in June of that year. He subsequently toured extensively throughout Europe.

In 1952, Yupanqui returned to Buenos Aires. He broke with the Communist Party, which made it easier for him to book radio performances.

Recognition of Yupanqui's ethnographic work became widespread during the 1960s, and nueva canción artists such as Mercedes Sosa recorded his compositions and made him popular among the younger musicians, who referred to him as Don Ata.

Yupanqui alternated between houses in Buenos Aires and Cerro Colorado, Córdoba province. During 1963-1964, he toured Colombia, Japan, Morocco, Egypt, Israel, and Italy. In 1967, he toured Spain, and settled in Paris. He returned regularly to Argentina and appeared in Argentinísima II in 1973, but these visits became less frequent when the military dictatorship of Jorge Videla came to power in 1976.

Yupanqui died in Nimes, France in 1992 at the age of 84; he was buried in the Cerro Colorado Cemetery.

FUENTE: WIKIPEDIA ENGLISH

Poster, Grateful Dead - Haight Ahbury 1967

The Souther-Hillman-Furay Band - Selftitled (1974)

The Souther-Hillman-Furay Band fue un súper grupo de country-rock creado a comienzos de los 70's y que estaba liderado por Richey Furay (Buffalo Springfield y Poco), Chris Hillman (The Byrds, The Flying Burrito Brothers y Manassas) y J.D. Souther (Longbranch Pennywhistle).

Este fue su primer trabajo del año 1974, un disco muy recomendable para todos los seguidores de country-rock, lleno de estupendas armonías vocales, grandes melodías y con un excelente trabajo de composición que recuperaba la esencia de todos los grupos de procedencia de los músicos. A destacar el gran tema que se edito en single "Fallin' In Love", escrito por Richie Furay y que es todo un clásico de este sonido, la composición del resto de los temas se repartian entre los tres miembros, además estaban acompañados por grandes músicos de estudio como Jim Gordon, Al Perkins, Joe Lala o Paul Harris. El disco aunque no llego a vender lo que se esperaba, llego al número 11 de las lista del Billboard.

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Un Poco de Historia: Jefferson Airplane

Banda clave dentro de la psicodelia y el acid-rock desarrollado en la zona californiana de San Francisco, los Jefferson Airplane lideraron las posturas vitales del hippismo, establecieron en su lírica combativos y críticos postulados ideológicos en contra de las usuales pautas de conducta sociales estadounidenses y enarbolaron la bandera de una juventud hastiada de un contexto político con el que no se sentían identificados.

La idea de formar a los Jefferson Airplane (nombre procedente del intérprete de blues Blind Lemon Jefferson) partió de Marty Balin, un cantante de delicada vocalidad que había estado en el grupo The Town Criers y que su apego a la música folkie le había llevado a compartir amistad con el guitarrista Paul Kantner.

En verano de 1965 a Balin y Kantner se les unieron la cantante Signe Anderson, el guitarrista y vocalista Jorma Kaukonen, el bajista Jack Casady (anteriormente estuvo brevemente Bob Harvey) y el batería Skip Spence (que sustituyó a Jerry Peloquin). Spence, que había intentado sin fortuna incorporarse como guitarrista al grupo Quicksilver Messenger Service y tras participar en el primer disco de los Jefferson Airplane abandonaría el grupo para fundar Moby Grape.
Ese primer disco sería "Takes off" (1966), trabajo que publicarían tras firmar con la RCA y conseguir un importante seguimiento popular gracias a sus directos en el Club Matrix, propiedad de Marty Balin.
Este album debut es un Lp de tendencias folk-rock dominado por Balin que pasó bastante inadvertido entre el público en general, aunque entraría en listas en el puesto número 128.
Tras su publicación, Spence dejaría el grupo, al igual que la vocalista Signe Anderson, quien sería sustituída por Grace Slick, antigua componente de Great Society. El lugar en la batería lo ocuparía Spencer Dryden, ex miembro de The Ashes.

El debut de Slick con la banda sería el fundamental "Surrealistic Pillow" (1967), probablemente el trabajo más famoso de los Jefferson Airplane, que conseguiría triunfar en sencillo gracias a dos composiciones que Grace había escrito en su época de Great Society, "Somebody to love" (número 5) y "White rabbit" (número 8).
Este disco abrazó apariencias más psicodélicas sin perder un vistazo al folk-rock, convirtiendose en una de las obras más clásicas del período lisérgico con sus materias sobre drogas y hedonismo sexual.
La espléndida vocaldad de Grace Slick y las composiciones más complejas y maduras les llevaron a ocupar puestos de privilegio en el box office americano, consiguiendo llegar hasta el top 3.
1967 supuso un gran año para la banda pues triunfaron en el festival de Monterrey y publicaron un segundo disco, que acentuaba aun más su carácter psicodélico, "After Bathing at Baxter's" (1967), un disco experimental menos comercial que el anterior (aún así alcanzaría el puesto 17) y de menor entidad en su conjunto, pero para nada desdeñable, pues contiene grandes canciones como "The ballad of you, me and pooney", "Martha", "Rejoyce" o "Watch her ride".
"Crown of creation" (1968) fue otro excelente trabajo que los elevó hasta el número 6 de las listas de ventas. Además de los singles "Greasy heart" y "Lather", "Crown of creation" contenía el tema "Triad", pieza escrita por David Crosby para los Byrds que éstos no incluirían en su tiempo en ninguno de sus discos (aunque ahora puede ser degustada en los bonus tracks de la reedición del "Notorious Byrd Brothers").

Tras el directo "Bless It's pointed little head" (1969) Jefferson Airplane presentó otro de sus Lps importantes, "Volunteers" (1969), álbum muy politizado con la guerra del Vietnam revoloteando en el ambiente. El disco es un estupendo trabajo que contó con la participación del famoso pianista y conocido músico de sesión Nicky Hopkins. Las combativas letras del álbum que provocaron enfrentamientos con los gerifaltes de la RCA no menoscabaron finalmente el potencial de la obra, que consiguió subir hasta el puesto 13 en listas de ventas. Sus actuaciones en Woodstock y Altamont culminaron una década revolucionaria a nivel social y cultural en la que el grupo tomó parte activa. Por esa época, Jorma Kaukonen y Jack Cassidy formaron un grupo paralelo al que denominaron Hot Tuna. La marcha del batería Spencer Dryden, que fue sustituído por Joey Convington (compañero de Kaukonen y Casady en Hot Tuna) y la llegada del violinista Papa John Creach trajeron nuevos aires al grupo que por desgracia no volvería a conseguir los logros de glorias pretéritas.

Paul Kantner y Grace Slick, que formaban pareja sentimental, fueron perdiendo interés por la banda como conjunto mientas que Marty Balin abandonó el grupo y la pareja Kaukonen y Casady se involucraban más en el citado proyecto de Hot Tuna.
Kantner publicó el disco "Blows against the empire" (1970) bajo el nombre de Paul Kantner and the Jefferson Starship, un trabajo que le reportó estimables ventas y aceptables resultados críticos.
"Bark" (1971), "Long John silver" (1972) y el directo "Thirty seconds over winterland" (1973) fueron Lps de escasa entidad publicados en su propio sello Grunt; la desilusión del conjunto y estos melifluos trabajos provocaron la separación final de Jefferson Airplane.
En el segundo disco tocaba la batería el antiguo componente de los Turtles John Barbata, que había entrado en el grupo tras la marcha de Covington. Otra de las incorporaciones fue el cantante David Freiberg, ex miembro de Quicksilver Messenger Service.
Posteriores entradas y salidas en la banda y el cambio de nombre a Jefferson Starship y Starship continuó la senda de un grupo que ya distaba mucho de los primeros y esenciales Jefferson Airplane, quienes se reunirían en 1989 para grabar y girar de nuevo, aunque con escasa repercusión.

FUENTE: ALOHAPOPROCK

The Million Dollar Quartet

Famoso disco en el que participaron los 4 músicos mas famosos de Memphis en su época de esplendor: Elvis Presley, Johnny Cash, Carl Perkins, Jerry Lee Lewis. Dice la historia que era una sesión de grabación de Elvis, y de repente se aparecio por el estudio Carl Perkins...y los demas fueron llegando...un disco de improvisacion sureña, con muchas canciones tradicionales y de rock and roll...un documento fenomenal.

NOTA: EL ARCHIVO CONSTA DE 1 PISTA DONDE ESTA TODO EL ALBUM.

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PISTAS
01 You Belong To My Heart (Ray Gilbert/Agustín Lara) Elvis Presley 0:45

02 When God Dips His Love In My Heart (trad.) Elvis Presley & Jerry Lee Lewis 0:18

03 Just A Little Talk With Jesus (Clevant Derricks) Elvis Presley & Jerry Lee Lewis 3:52

04 Jesus Walked That Lonesome Valley (trad.) Elvis Presley & Jerry Lee Lewis 2:52

05 I Shall Not Be Moved (Ray Gilbert/Agustín Lara Elvis Presley & Jerry Lee Lewis 3:01

06 Peace In The Valley (Thomas A. Dorsey) Elvis Presley 1:20

07 Down By The Riverside (trad.) Elvis Presley & Jerry Lee Lewis 2:11

08 I'm With A Crowd But So Alone (Ernest Tubb/Carl Story) Elvis Presley 1:17

09 Farther Along (trad.) All 1:38

10 Blessed Jesus (Hold My Hand) (trad.) Elvis Presley & Jerry Lee Lewis 1:24

11 As We Travel Along On The Jericho Road (trad.) Elvis Presley & Jerry Lee Lewis 0:42

12 I Just Can't Make It By Myself (Clara Ward) Elvis Presley & Jerry Lee Lewis 0:59

13 Little Cabin Home On The Hill (Bill Monroe/Lester Flatt) Elvis Presley 0:38

14 Summertime Is Past And Gone (Bill Monroe) Elvis Presley & Carl Perkins 0:06

15 I Hear A Sweet Voice Calling (Bill Monroe) All 0:27

16 Sweetheart You Done Me Wrong (Bill Monroe/Lester Flatt) All 0:26

17 Keeper Of The Key (B.Stewart/H.Howard/K.Devine/L.Guynes) Carl Perkins 0:45

18 Crazy Arms (Ralph Mooney/Charles Seals) Jerry Lee Lewis 0:18

19 Don't Forbid Me (Charles Singleton) Elvis Presley 0:56

20 Too Much Monkey Business (Chuck Berry) Jerry Lee Lewis 0:05

21 Brown Eyed Handsome Man (Chuck Berry) Elvis Presley & Jerry Lee Lewis 1:00

22 Out Of Sight, Out Of Mind (Ivory Joe Hunter/Clyde Otis) Elvis Presley 0:45

23 Brown Eyed Handsome Man (Chuck Berry) Elvis Presley & Jerry Lee Lewis 1:42

24 Don't Be Cruel (Elvis Presley/Otis Blackwell) Elvis Presley 1:41

25 Don't Be Cruel (Elvis Presley/Otis Blackwell) Elvis Presley 0:37

26 Paralyzed (Elvis Presley/Otis Blackwell) Elvis Presley 2:36

27 Don't Be Cruel (Elvis Presley/Otis Blackwell) Elvis Presley 0:24

28 There's No Place Like Home (trad.) Elvis Presley 3:18

29 When The Saints Go Marchin' In (trad.) Elvis Presley & Jerry Lee Lewis 2:14

30 Softly And Tenderly (trad.) Elvis Presley & Jerry Lee Lewis 2:27

31 Is It So Strange (Faron Young) Elvis Presley 1:09

32 That's When Your Heartaches Begin (W.Hill/F.Fisher/W.Raskin) Elvis Presley 4:37

33 Brown Eyed Handsome Man (Chuck Berry) Elvis Presley 0:20

34 Rip It Up (Robert Blackwell/J.Marascalco) Elvis Presley 0:03

35 I'm Gonna Bid My Blues Goodbye (Hank Snow) Elvis Presley 0:31

36 Crazy Arms (Ralph Mooney/Charles Seals) Jerry Lee Lewis 3:13

37 That's My Desire (Helmy Kresa/Carroll Loveday) Jerry Lee Lewis 1:17

38 End Of The Road (Jerry Lee Lewis) Jerry Lee Lewis 1:35

39 Black Bottom Stomp (Ferdinand Morton) Jerry Lee Lewis (instr.) 0:54

40 You're The Only Star In My Blue Heaven (Gene Autry) Jerry Lee Lewis 1:13

41 Elvis chatter 0:39

La Historia del Rock Nacional parte 2

ESTA SEGUNDA PARTE ES MAS CORTA, DECIDÍ HACERLO ASÍ PORQUE LO QUE VIENE ES LA PARTE MAS "PESADA" DE ESOS AÑOS, CON LA DISOLUCIÓN DE LOS GRUPOS FUNDACIONALES DEL ROCK NACIONAL. ESPERO QUE LO DISFRUTEN.

Los Gatos se convertirían en grandes figuras del movimiento underground, y subirian al estrellato, tocando en festivales de diversos países. Sin embargo las esperanzas de los bohemios como Moris, Pipo Lernoud, Pajarito Zaguri y otros, de que el éxito de Los Gatos catapulte al movimiento de contracultura se fue desvaneciendo pedazo a pedazo.

En el año 67, 4 compañeros de colegio se juntan y forman un conjunto que pronto pasará a ser conocido como Almendra, un grupo caracterizado por su gran capacidad poética. Esta integrado por Luis Alberto Spinetta en guitarra y voz, Edelmiro Molinari en guitarra y voz, Emilio del Guercio en bajo y voz, y Rodolfo Garcia en bateria.

También en ese año, un desconocido joven llamado Gustavo Santaolalla, se uniria a la comunidad hippie Arco Iris, que pronto formaría un conjunto musical de estilo Folk… y trascenderían fronteras, sobre todo con el clásico Mañanas Campestres.

“1968 es el año de las primeras grabaciones, aunque sólo sea a nivel de discos simples... salvo, claro, el segundo y tercer LP de Los Gatos”.[1] Tambien nacen Los Abuelos de la Nada con Miguel Abuelo a la casa y editan un simple: LADO A: DIANA DIVAGA; LADO B: TEMA EN FLU; se pensaba en hacer un disco pero a la discografica no le gusto y quedaron liberados, luego graban una canción más llamada “Pipo y la serpiente” y el grupo se disuelve debido a conflictos internos.

Jose Iglesias (Tanguito) graba un simple para la RCA: LADO A: LA DORADA PRINCESA; LADO B: EL HOMBRE RESTANTE (tema compuesto por Javier Martinez).

Se afianzará cada vez mas Almendra, que logrará grabar su primer disco titulado Almendra, y con esa tapa clasica ya, del hombrecito cabezón llorando. Un gran disco, mezcla de rock, psicodelia y jazz.

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[1] Historia del Rock en Argentina. Marcelo Fernandez Bitar

YA VENDRÁ LA PARTE 3...NO DESESPEREN

Un poco de historia: El Verano de Amor

El verano del amor (festival y concentración hippie) tuvo lugar en 1967 en el área de San Francisco, donde se reunieron varios de cientos de miles de personas para celebrar el nacimiento de una nueva contracultura, el movimiento hippie.

El inicio de esta celebración normalmente se marca con el llamado Human Be-In en el parque Golden Gate de San Francisco. Durante el Human Be-In John Philips, perteneciente a un grupo americano muy famoso a mediados de los 60, llamado The Mamas & The Papas tocó el estribillo de la canción "San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair)", el cual dice:

"If you're going to San Francisco,
be sure to wear some flowers in your hair...
If you're going to San Francisco,
Summertime will be a love-in there"

Esta canción fue escrita por John Philips e interpretada por Scott McKenzie, y se publicó en mayo de ese mismo año. Esta canción fue originalmente la promotora del Festival Pop de Monterey, el cual se celebró durante este mismo verano. Destaca por ser el primer gran festival de la historia del rock, ya que se estima que acudieron de un promedio de 200.000 personas, provenientes de todas partes de Estados Unidos, Canadá, Reino Unido y del resto de Europa Occidental, e incluso de las antipodas, ya que hubo gente que acudió de lugares tan alejados como Nueva Zelanda o Australia.

Esto provocó que San Francisco se convirtiera en la capital mundial de la música. También movilizó a casi todos los estudiantes de la universidades californianas, por lo que provocó que el ejército, ya que por estos tiempos en Estados Unidos había una gran revuelta estudiantil por la repulsa hacia la Guerra de Vietnam, vigilara el evento.

El Verano del Amor de 1967 estuvo influido por la música de The Beatles, que en 1966 abandonaron su era pop, para experimentar con un sonido más rockero y distorsionado, influido por el rock psicodélico, y por la música india. A inicios de 1967 publicarón Strawberry Fields Forever y Penny Lane, un doble álbum. Su canción, "All You Need Is Love", dio la vuelta al mundo gracias a la radio; esta canción, por su canto a la libertad y a la unidad, marcó a la contracultura de la época, ya que captó la esencia de los principios sobre los que se fundamentaba el Verano del Amor. Aparte de los Beatles, esta festividad estuvo marcada por dos discos americanos, Surrealistic Pillow de Jefferson Airplane, y el primer álbum de The Doors. También se dieron a conocer a escala mundial Jimi Hendrix o Janis Joplin.

A parte del Verano del Amor de 1967, hubo un Segundo Verano del Amor, que ocurrió en el Reino Unido, en 1988 y en 1989, el cual estuvo influenciado por la música eléctronica y por la cultura rave.

FUENTE: WIKIPEDIA

La Historia del Rock Nacional parte 1

AQUÍ VA UNA BREVE HISTORIA QUE ESPERO LES GUSTE. LA ESCRIBÍ YO, ES SOBRE EL ROCK NACIONAL ARGENTINO, Y ABARCARÁ DESDE EL AÑO 66 HASTA EL AÑO 75. ÉSTO ES DEBIDO A QUE LUEGO DE ESE AÑO CONOZCO MUY POCO A NADA...Y NO TENGO TANTO MATERIAL DISPONIBLE.

LA HISTORIA DEL ROCK NACIONAL ARGENTINO. (1966 – 1975) PARTE 1

POR PSICODELIA PURA

Muchos autores, coinciden en decir que el rock nacional surge en el momento en el cual el clásico tema “La Balsa” es lanzado al mercado en el año 67. Sin embargo, esto no fue el comienzo… nos debemos remontar a finales de los 50 y comienzos de los 60, cuando en argentina aparece un nuevo genero musical, el rock and roll…si señor, jóvenes transgresores con chaquetas de cuero, James Dean en Rebelde sin Causa y Rock alrededor del Reloj de Bill Haley y sus cometas que rompio records totales en Argentina para la epoca y obligo al cantante con ese rizo tan simpatico a venir a tocar al país.

Digamos que durante los 60, se fue gestando un movimiento del rock “underground” que marcaría el génesis. En el “lugar de encuentro” LA CUEVA, se juntaron los creadores de éste rock; al igual que en el bar de LA PERLA ubicado en el barrio de Once, lugar reconocido porque en su baño un tal Jose Iglesias, mejor conocido como Tanguito escribio parte de La Balsa; el Instituto Di Tella ayudo mucho a acrecentar el movimiento hippie con diversos happenings al mejor estilo San Francisco; y la Plaza Francia otro reducto para los desamparados del rock. Para el año 66, se forma lo que muchos “históricos” del rock nacional reconocen actualmente como el 1er grupo de Rock Nacional; que llevaba ese sentimiento de bohemia y pacifismo, mezcla de generación beat americana, con los proto hippies de la costa oeste estadounidense; Los Beatnicks, eran 4 integrantes, pero los que mas se destacaban eran Moris en guitarra y Javier Martinez en batería, ellos grabarían la 1ra canción de rock nacional, un simple en realidad: LADO A: REBELDE, LADO B: NO FINJAS MÁS…fueron en su momento el grupo mas representativo del naciente movimiento. ¿El simple? Fue un fracaso 700 copias, solo 200 vendidas…incluso los integrantes del grupo posaron semidesnudos en una fuente tocando sus instrumentos musicales con el objetivo de obtener mayores ventas…lamentablemente fueron arrestados y allí se termino la aventura…la represión policial era cruenta contra los “pelos largos”.

Por esa época, aparece en La Cueva, un joven llamado Miguel Abuelo el cual solo sabía tocar unos acordes con la guitarra, crea un grupo llamado los Abuelos de la Nada, que luego de un par de simples (bastante rebuscados al estilo Sargento Pimienta de Los Beatles) desaparecen debido a peleas internas entre sus miembros…

Aparecen las casas comunales, que tienen un gran efecto; sobre todo La Cofradía de la Flor Solar en La Plata, que editara unos simples en el 68 y un excelentisimo album de psicodelia en el 72, se encontraban apadrinados por el bohemio Miguel Gringberg (el Allen Ginsberg argentino).

Los Gatos comienzan a tocar en La Cueva en el año 67, alli Litto Nebbia y sus compañeros de grupo (Ciro Fogliatta, Kay Galifi, Alfredo Toth y Oscar Moro) donde irán ganando adeptos y se convertiran en la figura de la contracultura…o eso se pensaba…

YA VENDRÁ LA PARTE 2...

DE VUELTA

ESTOY DE VUELTA DE MI DESCANSO Y LISTO PARA VOLVER A POSTEAR MUSICA, Y ALGUNOS PEDIDOS

Chuck Berry - Chuck Berry Is on Top (1959)

Es un re-post por petición de Checo de una entrada de Psicodelia Pura

Es un album que estaba buscando, y la verdad que no tiene desperdicio, para cualquiera que le guste el rock and roll esto no debe dudar en bajarselo. Junto con el 1er album de Elvis, de Little Richard y de Fats Domino, éste album (Chuck Berry is on Top) constituye uno de los pilares del rock de los años 50, este album esta plagado de clasicos por donde se lo mire:

"Almost Grown" – 2:18
"Carol" – 2:44
"Maybellene" – 2:18
"Sweet Little Rock & Roller" – 2:18
"Anthony Boy" – 1:50
"Johnny B. Goode" – 2:38
"Little Queenie" – 2:40
"Jo Jo Gunne" – 2:44
"Roll Over Beethoven" – 2:20
"Around and Around" – 2:20
"Hey Pedro" – 1:54
"Blues for Hawaiians" – 3:22

Johnny B Goode, Roll Over Beethoven, Litle Queenie, Maybellene, Carol......la verdad que este album es espectacular, y todo buen amante conocedor del rock and roll lo debe tener, y aquella persona recien iniciada en el tema, es una excelente enciclopedia de lo que fue el verdadero rock and roll durante los ebullicionadores 50's.

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The Doors - No Limits (1967-1970)

Para celebrar las 100.000 visitas a nuestro blog y para que todos los amantes de los excelentes The Doors les posteo este bootleg con material extraido de distintas colecciones, grabadas durante sus actuaciones en directo en Los Angeles, Seattle y San Francisco entre los años 1967 y 1970.

En estas grabaciones, con buena calidad de sonido, se puede apreciar toda la energía de la voz de Jim Morrison y su gran deseo y fuerza por romper con todos los esquemas prefijados o tradiciones, además de la gran atmósfera que creaba el resto de la banda destacando la labor de los teclados de Ray Manzarek.

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GLORIOSAS 100.000

HEMOS LLEGADO A LAS 100.000 VISITAS, QUE MAS LES PODEMOS DECIR!!!!!!!! GRACIAS, GRACIAS, GRACIAS, GRACIAS A TODOS LOS QUE NOS VISITAN DIARIAMENTE, Y TAMBIEN A AQUELLOS QUE NO LO HACEN TANTO, A AQUELLOS QUE DEJAN COMENTARIOS, COMO AQUELLOS QUE NO... A TODOS GRACIAS.

The Everly Brothers - Roots (1968)

The Everly Brothers ha sido uno de los grandes dúos musicales de todos los tiempos, muy influyentes en el desarrollo del R&R, country y pop por su fantástica utilización de sus armonías vocales. Los hermanos Everly, Don y Phil, se trasladaron a Nashville en los años 50’s y allí consiguieron su éxito con el sensacional single “Bye Bye Love”, que sería el comienzo de su gran carrera musical.
Las estupendas melodías, armonías y la mezcla de sonidos rock, country, folk y pop hacían que su música fuese una excelente sensación sonora que arraso en las listas de todo el mundo y sirvieron de influencias para gran cantidad de grupos como Beatles, Hollies o Simon & Garfunkel.
El disco “Roots” fue editado en 1968 por Warner Bros y es considerado como uno de los mejores discos del inicio del country-rock, a diferencia de sus primeros discos en este trabajo intentan mantenerse al día con la tendencias del rock y pop de la época, incluyendo algunos toques psicodélicos, pero manteniendo su orientación acústica y sus excelentes armonías vocales en grandes canciones como “Mama Tried”, “I Gonder If I Care As Much”, “Ventura Boulevard” o “Sing Me Back Home”.

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The Souther-Hillman-Furay Band - "Trouble In Paradise" (1975)

The Souther-Hillman-Furay Band fue un súper grupo de country-rock liderado por Richey Furay (Buffalo Springfield y Poco), Chris Hillman (The Byrds, The Flying Burrito Brothers y Manassas) y J.D. Souther (Longbranch Pennywhistle). El resto de la historia del grupo lo podéis revisar en el post que realizo el amigo Psicodelia Pura de su primer gran disco con el mismo nombre de la banda.

Este es su segundo y último disco que fue publicado en 1975 y estaba producido por Tom Down, conocido por su trabajo con músicos de Atlantic Records. En este se distancian del sonido de raíces country-rock de su anterior álbum y se acercan a ritmos más funkys.
Richard Furay esta menos implicado y compone dos canciones que están dominadas por su conversión al cristianismo. J.D. Souther compone cuatro de las nueve canciones, destacando la que daba título al disco, y Chris Hillman compone tres temas, destacando “Love and Satisfy” donde toma prestado el principio de la letra de la canción de Gram Parsons “Train Song” y fue la canción con más éxito del disco.
A partir de la grabación del álbum la banda se separo y cada uno de sus miembros se dedicó a publicar discos en solitario.

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In the Wee Small Hours - Frank Sinatra

Con el permiso del blog tony - sorete.blogspot.com posteo el siguiente album.
Por mas que haya gente a la que no le agrade Sinatra...no se le puede quitar el papel de magnifico cantante...
A principios de los 50's, Sinatra estaba en horas bajas. No podia conseguir actuaciones en clubes nocturnos ni contrato discografico. Pero su salvacion llego a tiempo: el 14 de marzo de 1953, Alan Livingstone, vicepresidente de la seccion A&R de Capitol Records y fan de Sinatra, cerro con el cantante un contrato de 7 años(...)
"In the Wee Small Hours" se edito no mucho tiempo despues de que la relacion que Sinatra mantenia con Ava Gardner hiciera aguas. Parece que esa ruptura definio los contornos del mejor disco sobre el desamor de todos los tiempos. (...) Las tiendas de discos que decidieron poner a Sinatra en la seccion de easy listening, seguramente no escucharon las confeciones de bar de "Can't We Be Friends?" y aun menos las suplicas de "What Is This Thing Called Love". Ademas, "Mood Indigo" de Duke Ellington nunca habia sonado tan melancolica.

FUENTE: "1001 DISCOS QUE HAY QUE ESCUCHAR ANTES DE MORIR" (LIBRO)

Un poco de Historia: Manal

Cada vez que se hace referencia a Manal se los menciona como "grupo fundacional" del rock argentino, junto a Los Gatos y Almendra. Originariamente bautizados Ricota, este trío interpretaba un blues marcadamente influenciado por Cream (el grupo de Eric Clapton) y se presentaban casi diariamente en La Cueva.

Ante varios rechazos de demos, fue necesario que Jorge Alvarez (un famoso productor de la época y amigo de la banda) creara junto a Pedro Pujó su propia compañía discográfica (Mandioca) para que Manal pudiera sacar el primer simple: "Qué pena me das" / "Para ser un hombre más" (1968).

Las primeras presentaciones del trío tuvieron lugar en la sala Apolo (donde funcionó luego el cine Lorange). Junto a la primera formación de Los Abuelos de la Nada tocaron en Mar del Plata en el verano de 1969. Pappo participó como segunda guitarra por algunos shows. El segundo simple fue "No pibe" / "Necesito un amor". La consagración fue el Festival Pinap, organizado para fines de 1969. Ese año la banda se había presentado casi a diario, con lo que habían logrado una justeza instrumental admirable. «Fue el día más glorioso de mi vida artística -recuerda Gabis-. A Javier se le rompió la batería, a Alejandro se le rompió el bajo, a mí se me rompió no se qué, pero seguimos tocando y la gente deliraba. Terminamos los tres cantando en un micrófono: Alejandro con la guitarra, Javier con los palillos y yo con la armónica y la gente delirando. Manal se consagró ese día, se hizo un grupo grande. Ese día entró a la historia» (E.Abalos, pág 70).

Con "Manal", su primer LP (1970), rompió con el tabú que no se podía hacer blues y rhythm & blues en castellano.

"Jugo de tomate" y "Avellaneda Blues" son una prueba de ello.

Una gran oferta de la RCA convenció a Martínez de emigrar a una discográfica "comercial", y fracasaron con el segundo disco, "El león" (1971), que no produjo la misma sensación que el anterior.

La poca calidad de los subsiguientes trabajos y la baja considerable en las ventas terminó de zanjar las diferencias entre los integrantes del trío y condujeron a la separación.

Ante el éxito obtenido por Almendra y su retorno tantos años después, Manal siguió el mismo camino, en 1980. «Todo lo inició Almendra - recuerda Alejandro - Los productores decidieron que si ellos se reunían, Manal tenía que hacer lo mismo, y así fue que nos llamaron (...) La reunión fue buena por que sirvió para levantar el movimiento del rock and roll. Demostramos muchas cosas...» (F.Blumetti / C.Parise, pág 23). Realizaron cuatro presentaciones en Obras, editaron el LP "Reunión" (1981) con material nuevo, giraron por las ciudades más importantes del interior del país para culminar nuevamente en Obras con "Chau Manal", recitales que fueron posteriormente editados como "Manal en Obras" (1981).

El grupo apareció fugazmente en el panorama local en agosto de 1987, bajo el mando de Javier Martínez, pero con Aldo Yacomino en guitarra, Jorge Iacovelli en batería, Jorge Szayso en teclados y saxo y Luis De León en bajo.

«La idea es formar un nuevo Manal, que no sea un mero revival. Que mantenga el espíritu del viejo Manal, pero que tenga constancia, que perdure en el tiempo», anticipó Martínez ante el inminente segundo regreso "oficial" de Manal (Clarín, 02/08/94). Al baterista y a Medina se le sumaron Claudio Rodríguez en guitarra y Carlos Vidal en teclados. «Gabis tiene otros objetivos», remató. En agosto de 1994 se presentaron con todos sus viejos éxitos en la discoteca The Roxy. Casi un año más tarde se conocería la versión del guitarrista original: «En realidad, estamos distanciados (...) la última vez que volvió Manal ni me llamaron, y yo tenía muchas ganas de estar ahí con ellos» (Clarín, 21/06/95). Lo concreto, es que Martínez tampoco fue invitado a participar de La Selección que Gabis armó junto a Medina, Charly García, Andrés Calamaro, León Gieco y otros.

FUENTE: ROCK.COM.AR

Manal were an early argentine rock group, one of the three along with Almendra and Los Gatos dubbed the fouding trilogy of rock in that country.

Whereas Almendra brought an Argentine identity to the sound and Los Gatos the electric guitar, influenced by Cream Manal brought the blues to Argentina's rock conscience. Their early years where spent in regular gigs at the mythic "La Cueva" club, birthplace of the first generation of Argentine rock groups.

Manal is an Arabic name that means can get hold of it and there is well known phrase is Arabic that includes this name: "sa'ab al Manal" which means very difficut to reach.

History

In 1968 after their demos being rejected by multiple record labels, the band approached long time friend and producer Jorge Alvarez. In order for Manal to get material recorded, it was necessary to build a new label. So Alvarez teamed up with Pedro Pujó and created the Mandioca Label, event of high historical importance as it would become the first label exclusively dedicated to Argentine rock.^[1]

Under the fledgling label, Manal released their first two singles in 1968. But their consummate moment came at the 1969 Pinap Festival. On the back of their near daily performances throughout the year, the group's tightness was apparent. Argentine rock lore says delirious fans at the festival that day ended up doing choruses and singing along with Manal's three members, who resorted to vocals as their bass and drumbs 'broke' down from overuse.^[2]

Following this event Manal released the full-length blues rock debut in 1970, self-titled as it was customary in Argentine rock at the time. It was certainly not at the level of English-language counterparts but it is nevertheless an enjoyable listen, and as such the album did well. This prompted RCA to approach the band with a contract, which Manal accepted. Their major label debut El León (1971) proved not as successful as Manal, but was a decent record.

By 1972 however, musical tastes in Argentine rock had changed. Acoustic Argentine rock was on the verge of its explosion, and heavy rock had become the dominant blues oriented rock form, with rock first and blues later. Blues-rock was not favored, and Manal coudn't make a transition. Furthermore their third album in 1972 was poor in material. It would all lead to the break-up of Manal in 1972, the worst ending of all the three trilogy bands.

However, history would eventually offer the band redemption, and a more deserving send-off. In 1980 Argentine rock was caught up in a revival period of rock from the late 60s, with Almendra successfully reuniting. Producers asked Manal to do the same which they did, and even produced one last LP in 1981's aptly named Reunión.

Instead of the almost ignominious early 70s exit, Manal performed well-attended last concerts in major cities across Argentina which led to a live album, and corrected what would have otherwise been an unfortunate way to end an encyclopedic entry on one of the fundamental groups of early Rock en Español.

Today they are credited with bringing the grittier form of blues-rock to Argentine rock,^[3] and few at the time could foresee how influential many years later this would be when the suburban rock explosion took place in the mid 1990s.

FUENTE: WIKIPEDIA ENGLISH

Un poco de Historia: Les Fleur de Lys

Banda psicodélica británica surgida en la ciudad de Southhampton en el año 1964. Su música, significada por la pujanza de sus guitarras distorsionadas y el espíritu blues-rock y soul de sus composiciones mod-pop, pasó bastante inadvertida en su época, siendo recuperada con devoción por los amantes de sonidos de gente como The Who, Cream, The Action, Procol Harum, The Move o The Jimi Hendrix Experience.

Uno de los principales handicaps del grupo fue la poca estabilidad de su formación, permaneciendo como único miembro regular el batería Keith Guster, quien estaba acompañado en la formación original por el cantante y guitarrista Frank Smith, el bajista Gary Churchill y el teclista Alex Chamberlain.
Después de actuar en locales de Southhampton Les Fleur de Lys terminaron residiendo en Londres tras ser fichados por Immediate, el sello de Andrew L. Oldham. Allí, y en el año 1965, Jimmy Page les produjo su primer sencillo, una versión del tema de Buddy Holly & The Crickets “Moondreams”, en la cual brillaban por el empleo de las armonías vocales y el sonido del teclado de Chamberlain. Como cara b incluyeron “Wait for me”, un tema R&B instrumental compuesto por Jimmy Page que se iniciaba con un riff a lo Chuck Berry.

Tras este sencillo solamente Guster prosiguió con Les Fleur de Lys. Los nuevos miembros serían el cantante y guitarra Phil Sawyer, el bajista Gordon Haskell y el teclista Pete Sears. Con esta nueva formación el grupo adoptó sonidos más psicodélicos, apreciados en su segundo single, una estupenda versión del “Circles” de los Who, tema de nuevo producido por Page en 1966. Como cara b aparecía la poderosa “So come on”, un tema compuesto por Sawyer.

Tras esta canción el grupo dejó Inmmediate para grabar en Polydor y añadió a la formación al cantante Chris Andrews. Los que saldrían del grupo fueron Pete Sears, quien formaría parte de grupos como The Sam Gopal Dream, Silver Metre, Jefferson Starship o Journey, y Phil Sawyer, quien se uniría al Spencer Davis Group.
El grupo en estos momentos fue dirigido por Frank Fenter, productor y representante de una cantante llamada Sharon Tandy, a quien los Fleur de Lys acompañaron en sus grabaciones y en sus actuaciones en vivo.

Para reemplazar a Sawyer se incorporó el guitarrista Bryn Haworth, quien tocaba de manera espléndida la guitarra en el single “Mud in your eye”, un corte muy a lo Small Faces que estaba escrito por Chris Andrews y el evadido Phil Sawyer y publicado en el año 1966. Como cara b realizaban una versión de los Impressions, “I’ve been trying”. En 1967 apareció “I can see the light”, balada con arreglos de cuerda cantada por Bryan Haworth, quien también ejercía de vocalista en la cara b “Prodigal Son”, y grabaron también con un proyecto paralelo llamado Rupert’s People el tema “Reflections of Charles Brown”, casi un plagio del “A whiter shade of pale” de Procol Harum, y Sharon Tandy el single “Stay with me/Hold on” .

En este momento Andrews abandonó Fleur de Lys para centrarse en posteriores grabaciones de Rupert’s People.
En 1968 publicaron una de sus mejores canciones, la pieza psicodélica “Gong with the luminous nose”, el tema estaba cantado por su compositor, el bajista Gordon Haskell. También grabaron con Tandy el single “Hold On/Daughthers of the sun”.
Con John Bromley el grupo inglés grabaría el tema bubblegum “Sugar Love” y el corte de pop psicodélico “So many things”, y con el seudónimo de Shyister publicaron la canción blues-rock “Tick Tock”.
En la época de la grabación del single “Stop crossing the bridge/Brick by brick” el grupo había perdido al bajista Gordon Haskell, que formaría parte de King Crimson. Se añadirían el cantante Tony Head y el bajista Tago Byers.
Como Chocolate Frog publicarían en 1968 el single “Butchers and bakers/I Forgive you”. El último sencillo de Les Fleur de Lys, publicado en Atlantic en 1969, sería “You’re just a liar/One city girl”. Después del mismo el grupo terminaría desapareciendo.
En los años 90 el sello FDL publicaría un completo recopilatorio de su carrera, “Reflections”.

FUENTE: ALOHAPOPROCK